algún día...
jejeje
http://www.youtube.com/watch?v=4sRhU27ALHc
domingo, 31 de mayo de 2009
sábado, 30 de mayo de 2009
martes, 26 de mayo de 2009
Audiciones!!!!!
Bueno mis pequeños.....esto comienza.....
Hoy tenemos audición de los alumnos de Javi Nieto,viola, a las cinco y media, Aula 40, por supuesto estais todos invitados......
Y mañana a las cinco, también Aula 40 con los alumnos de Luis Mñoz, violín.
Necesito reporteros gráficos!!!!!!!
Quién se apunta?
Luego a las siete seguimos con nuestros ensayos normales, tanto hoy como mañana.
Vale?
Besitos a todos!!!!!!
Sil.
Hoy tenemos audición de los alumnos de Javi Nieto,viola, a las cinco y media, Aula 40, por supuesto estais todos invitados......
Y mañana a las cinco, también Aula 40 con los alumnos de Luis Mñoz, violín.
Necesito reporteros gráficos!!!!!!!
Quién se apunta?
Luego a las siete seguimos con nuestros ensayos normales, tanto hoy como mañana.
Vale?
Besitos a todos!!!!!!
Sil.
lunes, 25 de mayo de 2009
Romanze 2 ( L.v.Beethoven)
http://www.youtube.com/watch?v=64KW04601ts&translated=1
El puesto que ocupa Beethoven en la historia de la música occidental es verdaderamente único, debido tanto a su personalidad, fuera de lo común, como a las excepcionales circunstancias que rodearon su vida. Beethoven es, efectivamente, testigo de los acontecimientos que vinieron a turbar gravemente la historia de Europa: la Revolución, sus consecuencias y la ruptura que supuso para la civilización occidental. Desde este punto de vista, en la creación musical de Beethoven queda reflejada la conciencia de su “siglo” en la misma medida que ocurrió con Napoleón, Goya o Goethe, sus ilustres contemporáneos. Beethoven, genio musical nacido en 1770 en Bonn, a orillas del Rin, llega a Viena veinte años después: Viena, la ciudad en la que el inmenso genio creativo de Joseph Haydn, relevado en un momento dado por la fulgurante genialidad de Mozart, le ofrece “llave en mano” magníficos medios de expresión, la ciencia de la escritura musical, unas formas susceptibles de variaciones y análisis sin límites (de hecho, las formas llamadas “clásicas” han sobrevivido hasta el siglo XXI). Beethoven asimila estas bases para desarrollar, a partir de ellas, todas las posibilidades que encierran y crear a través de las formas "vienesas"–como la sonata y sus aplicaciones (dúos, tríos, cuartetos, conciertos, sinfonías, etc.) un lenguaje que le es propio y que, al mismo tiempo, refleja las aspiraciones más profundas,los ideales de los hombres de su tiempo. Beethoven compuso pocas obras para violín y orquesta. Las Romanzas para violín nº 1 Op. 40, en Sol mayor, y la Op.50, nº 2, en Fa mayor, parecen guardar relación con un Concierto anterior (WoO 5) del que se conserva la partitura manuscrita hasta la mitad del desarrollo del primer movimiento, lo que indica que la obra pudo llegar a ser completada. La Romanza en Fa, compuesta en 1795, es el candidato más probable a haber sido concebida como movimiento lento de dicho Concierto -es un Adagio cantabile-. Además, ambas obras comparten idénticas fuerzas orquestales (flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas y cuerdas) y existe paralelismo en la temática de los contenidos.
El puesto que ocupa Beethoven en la historia de la música occidental es verdaderamente único, debido tanto a su personalidad, fuera de lo común, como a las excepcionales circunstancias que rodearon su vida. Beethoven es, efectivamente, testigo de los acontecimientos que vinieron a turbar gravemente la historia de Europa: la Revolución, sus consecuencias y la ruptura que supuso para la civilización occidental. Desde este punto de vista, en la creación musical de Beethoven queda reflejada la conciencia de su “siglo” en la misma medida que ocurrió con Napoleón, Goya o Goethe, sus ilustres contemporáneos. Beethoven, genio musical nacido en 1770 en Bonn, a orillas del Rin, llega a Viena veinte años después: Viena, la ciudad en la que el inmenso genio creativo de Joseph Haydn, relevado en un momento dado por la fulgurante genialidad de Mozart, le ofrece “llave en mano” magníficos medios de expresión, la ciencia de la escritura musical, unas formas susceptibles de variaciones y análisis sin límites (de hecho, las formas llamadas “clásicas” han sobrevivido hasta el siglo XXI). Beethoven asimila estas bases para desarrollar, a partir de ellas, todas las posibilidades que encierran y crear a través de las formas "vienesas"–como la sonata y sus aplicaciones (dúos, tríos, cuartetos, conciertos, sinfonías, etc.) un lenguaje que le es propio y que, al mismo tiempo, refleja las aspiraciones más profundas,los ideales de los hombres de su tiempo. Beethoven compuso pocas obras para violín y orquesta. Las Romanzas para violín nº 1 Op. 40, en Sol mayor, y la Op.50, nº 2, en Fa mayor, parecen guardar relación con un Concierto anterior (WoO 5) del que se conserva la partitura manuscrita hasta la mitad del desarrollo del primer movimiento, lo que indica que la obra pudo llegar a ser completada. La Romanza en Fa, compuesta en 1795, es el candidato más probable a haber sido concebida como movimiento lento de dicho Concierto -es un Adagio cantabile-. Además, ambas obras comparten idénticas fuerzas orquestales (flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas y cuerdas) y existe paralelismo en la temática de los contenidos.
jueves, 21 de mayo de 2009
Los tangueros!!!!!
"Por una Cabeza" es un popular tango compuesto por Carlos Gardel (Música) y Alfredo Le Pera (Letra) en la ciudad de Nueva York en 1935.
La versión original fue grabada por Carlos Gardel el 19 de marzo de 1935 con master BVE 89227-2 para su última película Tango bar. Gardel fue un experto en temas hípicos, razón por la cual esta canción tiene un especial valor entre sus seguidores.
Un compulsivo apostante hípico compara su desventura en el amor con la vana ilusión de gloria que se da en una final cabeza a cabeza entre dos caballos en las carreras.
La canción ha alcanzado una gran difusión tanto por su lírica melancólica como por su música, la cual ha sido interpretada por múltiples orquestas.
Por una cabezade un noble potrillo
que justo en la raya afloja al llegar,
y que al regresar parece decir:No olvidés, hermano,vos sabés, no hay que jugar.
Por una cabeza,metejón de un díade aquella coquetay risueña mujer,
que al jurar sonriendoel amor que está mintiendo,
quema en una hogueratodo mi querer.
(estribillo)
Por una cabeza,todas las locuras.Su boca que besa,borra la tristeza,
calma la amargura.
Por una cabeza,si ella me olvida
qué importa perdermemil veces la vida,
para qué vivir.
Cuántos desengaños,por una cabeza.
Yo juré mil veces,no vuelvo a insistir.
Pero si un mirarme hiere al pasar, su boca de fuego otra vez quiero besar.
Basta de carreras, se acabó la timba.
¡Un final reñido yo no vuelvo a ver!Pero si algún pingollega a ser fija el domingo,
yo me juego entero.¡Qué le voy a hacer..!
Eduardo Toldrá y sus Sonetis para violín y piano.
Eduardo Toldrá (Vilanova i la Geltrú, 1895 - Barcelona, 1962) fue violinista, director de orquesta y compositor. De su padre recibió las primeras lecciones de música (solfeo y rudimentos de la técnica violinística), cuyo estudio prosiguió en 1906 al ingresar en la Escuela Municipal de Música de Barcelona. Allí tuvo como profesores a Lluís Millet, Antoni Nicolau y Rafael Gálvez, entre otros. En dicha institución, Eduardo Toldrá llegó a ser profesor de violín y catedrático de dirección orquestal.
En 1912 debutó como violinista en el Ateneu barcelonés. Ese mismo año fundó el cuarteto de cuerda Renaixement junto con Lluís Recassens, segundo violín, L. Sánchez, viola, y A. Planas, violoncelo, formación camerística que tuvo una existencia de diez años, alcanzando un gran nivel artístico. Pensionado por el Ayuntamiento de Barcelona, Toldrá realizó estancias de perfeccionamiento musical en París, Berlín y Viena.
Como director, inició su actividad en 1924 con la Orquestra d'Estudis Simfònics, integrada por una veintena de músicos no profesionales, y actuó también ocasionalmente al frente de la Orquestra Pau Casals. Al fundarse la Orquesta Municipal de Barcelona (núcleo de la posterior OCB y de la actual OBC) en 1944, se confió su dirección a Toldrá, quien desempeñó con gran brillantez el cargo hasta su muerte. Al frente de la centuria barcelonesa dirigió más de 750 conciertos, incluyendo en la programación bastante más de un centenar de estrenos. Dirigió en numerosas ocasiones la Orquesta Nacional de España y su homónima francesa, así como la Orquesta Lamoureux y la del Conservatorio de París.
Entre sus grabaciones discográficas destaca el Grand Prix du Disque de l'Académie Charles Cros de 1958, por su versión de El sombrero de tres picos, de Falla, al frente de la Orchestre National Française. Una de las culminaciones de su trabajo como director va unida también a la obra de Falla: estrenó (ya bastante enfermo) el 24 de noviembre de 1961 en el Gran Teatre del Liceu, la versión escénica de La Atlántida, completada por Ernesto Halffter. Laureado con la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, también recibió galardones del Gobierno francés por su trayectoria artística.
Como compositor, Toldrá se encuadra perfectamente en la senda de un claro nacionalismo de raíz folclórica (en especial, catalán), hábilmente presentado en armazón armónica impresionista, línea melódica clara, definida, siempre dentro del marco tonal. Entre su música orquestal cabe destacar: la Suite en mi mayor (1919); Danses de Vilanova (1920), que fue premio de la Fundació Patxot; el poema sinfónico La maldición del conde Arnau (La maledicció del comte Arnau, 1922), en la que, como en la anteriormente citada, utilizó como base instrumental la cobla tradicional de la sardana, aunque posteriormente (1930), transcribió la obra para orquesta sinfónica; la sardana de concierto Empúries (1926), que obtuvo el Premi Sant Jordi del Foment de la Sardana de Barcelona; la suite sinfónica La filla del marxant, en origen pensada como música incidental para el drama de Adrià Gual; y cerca de cuarenta sardanas. También sobresale Toldrá como compositor de canciones
Es autor de la ópera cómica El torbellino de mayo (El giravolt de maig), estrenada el 27 de octubre de 1928, sobre texto de Josep Carner. En el campo de la música de cámara se le debe un Cuarteto de cuerda en Do menor (1914), Vistes al mar (Vistas al mar), de 1920, fantasía para cuarteto de cuerda, quizás su obra más conocida e interpretada, que obtuvo el Premi de la Fundació Rabell en 1921, y destacan también sus Seis sonetos (Sis sonets), para violín y piano, premio de la Fundació Patxot en 1921.
Los Sonetos están compuestos sobre versos de varios poetas catalanes. El propio Toldrá proponía al oyente escuchar cada soneto mientras leía el poema. Todos ellos son frescos, mediterráneos y llenos de un lirismo puro y brillante. Su título es muy ilustrativo, ya que cada uno de ellos parte de un soneto poético al que la música "ilustra" en una especie de acuarela sonora: Oració al maig , de Josep Carmer, es una meditación expresiva, no sin cierto dramatismo. Ave Maria, de Joan Alcover, es un solemne cántico crepuscular. La font, de J.M. Guasch, es pieza más alegre y de ritmo popular, delicadamente descriptiva. El Sonetí de la rosada (rocío, escarcha) es un "sonetillo" en octosílabos de Trinitá Catasús que canta la ternura del amanecer.
Soneti de la Rosada: http://www.youtube.com/watch?v=AvlV4Bbd3j4
En 1912 debutó como violinista en el Ateneu barcelonés. Ese mismo año fundó el cuarteto de cuerda Renaixement junto con Lluís Recassens, segundo violín, L. Sánchez, viola, y A. Planas, violoncelo, formación camerística que tuvo una existencia de diez años, alcanzando un gran nivel artístico. Pensionado por el Ayuntamiento de Barcelona, Toldrá realizó estancias de perfeccionamiento musical en París, Berlín y Viena.
Como director, inició su actividad en 1924 con la Orquestra d'Estudis Simfònics, integrada por una veintena de músicos no profesionales, y actuó también ocasionalmente al frente de la Orquestra Pau Casals. Al fundarse la Orquesta Municipal de Barcelona (núcleo de la posterior OCB y de la actual OBC) en 1944, se confió su dirección a Toldrá, quien desempeñó con gran brillantez el cargo hasta su muerte. Al frente de la centuria barcelonesa dirigió más de 750 conciertos, incluyendo en la programación bastante más de un centenar de estrenos. Dirigió en numerosas ocasiones la Orquesta Nacional de España y su homónima francesa, así como la Orquesta Lamoureux y la del Conservatorio de París.
Entre sus grabaciones discográficas destaca el Grand Prix du Disque de l'Académie Charles Cros de 1958, por su versión de El sombrero de tres picos, de Falla, al frente de la Orchestre National Française. Una de las culminaciones de su trabajo como director va unida también a la obra de Falla: estrenó (ya bastante enfermo) el 24 de noviembre de 1961 en el Gran Teatre del Liceu, la versión escénica de La Atlántida, completada por Ernesto Halffter. Laureado con la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, también recibió galardones del Gobierno francés por su trayectoria artística.
Como compositor, Toldrá se encuadra perfectamente en la senda de un claro nacionalismo de raíz folclórica (en especial, catalán), hábilmente presentado en armazón armónica impresionista, línea melódica clara, definida, siempre dentro del marco tonal. Entre su música orquestal cabe destacar: la Suite en mi mayor (1919); Danses de Vilanova (1920), que fue premio de la Fundació Patxot; el poema sinfónico La maldición del conde Arnau (La maledicció del comte Arnau, 1922), en la que, como en la anteriormente citada, utilizó como base instrumental la cobla tradicional de la sardana, aunque posteriormente (1930), transcribió la obra para orquesta sinfónica; la sardana de concierto Empúries (1926), que obtuvo el Premi Sant Jordi del Foment de la Sardana de Barcelona; la suite sinfónica La filla del marxant, en origen pensada como música incidental para el drama de Adrià Gual; y cerca de cuarenta sardanas. También sobresale Toldrá como compositor de canciones
Es autor de la ópera cómica El torbellino de mayo (El giravolt de maig), estrenada el 27 de octubre de 1928, sobre texto de Josep Carner. En el campo de la música de cámara se le debe un Cuarteto de cuerda en Do menor (1914), Vistes al mar (Vistas al mar), de 1920, fantasía para cuarteto de cuerda, quizás su obra más conocida e interpretada, que obtuvo el Premi de la Fundació Rabell en 1921, y destacan también sus Seis sonetos (Sis sonets), para violín y piano, premio de la Fundació Patxot en 1921.
Los Sonetos están compuestos sobre versos de varios poetas catalanes. El propio Toldrá proponía al oyente escuchar cada soneto mientras leía el poema. Todos ellos son frescos, mediterráneos y llenos de un lirismo puro y brillante. Su título es muy ilustrativo, ya que cada uno de ellos parte de un soneto poético al que la música "ilustra" en una especie de acuarela sonora: Oració al maig , de Josep Carmer, es una meditación expresiva, no sin cierto dramatismo. Ave Maria, de Joan Alcover, es un solemne cántico crepuscular. La font, de J.M. Guasch, es pieza más alegre y de ritmo popular, delicadamente descriptiva. El Sonetí de la rosada (rocío, escarcha) es un "sonetillo" en octosílabos de Trinitá Catasús que canta la ternura del amanecer.
Enlaces:
Oració al maig: http://www.youtube.com/watch?v=JUZFd6t3GIoSoneti de la Rosada: http://www.youtube.com/watch?v=AvlV4Bbd3j4
lunes, 18 de mayo de 2009
Max Bruch, Isra, Berta y el Colibrí......
Max Christian Friedrich Bruch (6 de enero de 1838 - 2 de octubre de 1920) fue un compositor y director de orquesta alemán de la época romántica de la música clásica. Su padre fue inspector de policía y su madre una soprano. De pequeño Bruch ya mostró talento para la música y recibió clases. De ahí que a los 11 años ya había compuesto algunas obras que se interpretaron en público. En 1852, cuando sólo tenía 16 años, ya compuso su primera sinfonía y un cuarteto de cuerdas, lo que le valió un premio de la Fundación Mozart en Fráncfort del Meno y una beca.
Al año siguiente, Bruch inició sus estudios de música en Fráncfort, que prosiguió más adelante en Leipzig. Después de cinco años terminó su formación y trabajó durante tres años en Colonia como profesor de música. Entre 1861 y 1865 realizó numerosos viajes por Alemania, Austria, Francia y Bélgica, donde dio recitales como director de orquesta. Al final de ese periodo aceptó el cargo de director de música en Coblenza y más adelante de director de orquesta en Turingia.
En 1870, Bruch se instaló en Berlín, donde volvió a trabajar como profesor de música. En 1880, a los 42 años, se casó con una cantante, con la que tuvo cuatro hijos. Fue nombrado en ese mismo año director de la Orquesta Filarmónica de Liverpool, en Inglaterra, donde permaneció tres años y donde escribió su obra concertante para violonchelo y orquesta Variaciones sobre el Kol Nidre, dedicada a la comunidad judía de la ciudad. A continuación dirige la orquesta de la ciudad de Breslau (entonces Alemania), hasta que se hace cargo en 1891 de la dirección de la escuela de composición en Berlín. En los años siguientes, Bruch es distinguido en repetidas ocasiones. Recibe el título de profesor honoris causa por las universidades de Cambridge y de Berlín. En esta última ciudad ingresa en la academia de Bellas Artes como miembro de la dirección.
En los diez últimos años de su vida, Bruch renuncia a sus cargos y se dedica por entero a la composición. Entre sus obras más importantes se encuentran sus conciertos para violín, de las que el Concierto para violín en sol menor sigue teniendo en la actualidad una acogida extraordinaria, comparable a la del concierto para violín de Mendelssohn. También son muy conocidas hoy en día su Fantasía escocesa, para violín y orquesta, y sus Variaciones sobre el Kol Nidre, para violonchelo y orquesta, basadas en melodías hebreas. Bruch compuso otras muchas obras que fueron populares en su época, como sus tres sinfonías y otras obras orquestales, sus óperas - entre ellas especialmente Loreley - y sus obras corales.
Bruch murió a los 82 años de edad.
Fuente :Jiwish Encyclopedia
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Kol_Nidre"
Al año siguiente, Bruch inició sus estudios de música en Fráncfort, que prosiguió más adelante en Leipzig. Después de cinco años terminó su formación y trabajó durante tres años en Colonia como profesor de música. Entre 1861 y 1865 realizó numerosos viajes por Alemania, Austria, Francia y Bélgica, donde dio recitales como director de orquesta. Al final de ese periodo aceptó el cargo de director de música en Coblenza y más adelante de director de orquesta en Turingia.
En 1870, Bruch se instaló en Berlín, donde volvió a trabajar como profesor de música. En 1880, a los 42 años, se casó con una cantante, con la que tuvo cuatro hijos. Fue nombrado en ese mismo año director de la Orquesta Filarmónica de Liverpool, en Inglaterra, donde permaneció tres años y donde escribió su obra concertante para violonchelo y orquesta Variaciones sobre el Kol Nidre, dedicada a la comunidad judía de la ciudad. A continuación dirige la orquesta de la ciudad de Breslau (entonces Alemania), hasta que se hace cargo en 1891 de la dirección de la escuela de composición en Berlín. En los años siguientes, Bruch es distinguido en repetidas ocasiones. Recibe el título de profesor honoris causa por las universidades de Cambridge y de Berlín. En esta última ciudad ingresa en la academia de Bellas Artes como miembro de la dirección.
En los diez últimos años de su vida, Bruch renuncia a sus cargos y se dedica por entero a la composición. Entre sus obras más importantes se encuentran sus conciertos para violín, de las que el Concierto para violín en sol menor sigue teniendo en la actualidad una acogida extraordinaria, comparable a la del concierto para violín de Mendelssohn. También son muy conocidas hoy en día su Fantasía escocesa, para violín y orquesta, y sus Variaciones sobre el Kol Nidre, para violonchelo y orquesta, basadas en melodías hebreas. Bruch compuso otras muchas obras que fueron populares en su época, como sus tres sinfonías y otras obras orquestales, sus óperas - entre ellas especialmente Loreley - y sus obras corales.
Bruch murió a los 82 años de edad.
Kol Nidre
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Kol Nidre (ashkenazi), Kal nidré (sefardí), Col Nidré o Cal nidré es el nombre de la declaración recitada en la sinagoga previo al comienzo del servicio vespertino de Yom Kipur, su nombre está tomado de las palabras iniciales de la declaración.
Se introdujo en la liturgia con la oposición de las autoridades rabínicas, repetidamente atacada por los férreos seguidores de la halakahasta el punto de que en el siglo XIX fue eliminada de los libros de oración de numerosas comunidades judías en Europa Occidental.
Antes de la puesta del sol en la sinagoga se abre el arca y los dos rollos de la Torá son sostenidos por dos rabinos o dos miembros de la comunidad y entonces se recita la frase:
En el tribunal de los cielos y en el tribunal de la tierra, por el permiso de Dios, alabado sea, y con el permiso de su santa congregación, nosotros mantenemos que está permitido rezar junto con los transgresores de la ley.
A partir de ese momento el cantor (jazán) entona la oración aramea comenzando con las palabras Col Nidré, con una melodía en crescendo repite tres veces las siguientes palabras:
Todos los votos, obligaciones, juramentos y anatemas, ... que nos atan desde este Yom Kipur hasta el siguiente ( cuya feliz llegada esperamos ) quedan anulados. Quiera Dios redimir, absolver, perdonar, anular e invalidar y dejar sin efecto esos votos, que no nos aten ni tengan poder sobre nosotros, los votos no serán eficaces ni obligatorios, ni las promesas o juramentos.
Entonces el oficiante y la congregación recitan unidos:(Num. xv. 26).
Y será perdonada toda la congregación de los hijos de Israel, y el extranjero que vive en medio de ellos, viendo que todo el pueblo estaba en la ignorancia.
Esto también se repite tres veces. El jazán entonces cierra con la bendición :
Bendito seas, oh Señor nuestro Dios, rey del universo, que nos ha preservado y mantenido con vida para esta celebración.
En muchas congregaciones el versículo Num. xiv. 19-20 se recita antes de la bendición. Después los rollos de la Torá son devueltos al hejal (Arca) y continua el servicio religioso.
Origen:
Los judíos, como otros pueblos semíticos, acostumbraban a emitir con profusión excesiva votos y juramentos imposibles de cumplir, pero que por otra parte tampoco querían infringir voluntariamente. De ahí que la conciencia religiosa buscara en la fórmula general del Kol Nidre una vía de escape a las tensiones provocadas por tales compromisos.Esto está de acuerdo con el más antiguo texto de la fórmula que se preserva en el libro de oraciones de Amram Gaón (ed. Warsaw, i. 47a) y en el "ha-Pardés" (p. 12b).Se iba desarrollando ya desde entonces (periodo gaónico) la clara conciencia del perdón y la reconciliación.
Obras musicales
El compositor Max Bruch compuso una obra para orquesta y violonchelo solista que llamó Kol Nidre y que dedicó a la comunidad judía de Liverpool, ciudad donde residía por ser director de su orquesta.De Wikipedia, la enciclopedia libre
Kol Nidre (ashkenazi), Kal nidré (sefardí), Col Nidré o Cal nidré es el nombre de la declaración recitada en la sinagoga previo al comienzo del servicio vespertino de Yom Kipur, su nombre está tomado de las palabras iniciales de la declaración.
Se introdujo en la liturgia con la oposición de las autoridades rabínicas, repetidamente atacada por los férreos seguidores de la halakahasta el punto de que en el siglo XIX fue eliminada de los libros de oración de numerosas comunidades judías en Europa Occidental.
Antes de la puesta del sol en la sinagoga se abre el arca y los dos rollos de la Torá son sostenidos por dos rabinos o dos miembros de la comunidad y entonces se recita la frase:
En el tribunal de los cielos y en el tribunal de la tierra, por el permiso de Dios, alabado sea, y con el permiso de su santa congregación, nosotros mantenemos que está permitido rezar junto con los transgresores de la ley.
A partir de ese momento el cantor (jazán) entona la oración aramea comenzando con las palabras Col Nidré, con una melodía en crescendo repite tres veces las siguientes palabras:
Todos los votos, obligaciones, juramentos y anatemas, ... que nos atan desde este Yom Kipur hasta el siguiente ( cuya feliz llegada esperamos ) quedan anulados. Quiera Dios redimir, absolver, perdonar, anular e invalidar y dejar sin efecto esos votos, que no nos aten ni tengan poder sobre nosotros, los votos no serán eficaces ni obligatorios, ni las promesas o juramentos.
Entonces el oficiante y la congregación recitan unidos:(Num. xv. 26).
Y será perdonada toda la congregación de los hijos de Israel, y el extranjero que vive en medio de ellos, viendo que todo el pueblo estaba en la ignorancia.
Esto también se repite tres veces. El jazán entonces cierra con la bendición :
Bendito seas, oh Señor nuestro Dios, rey del universo, que nos ha preservado y mantenido con vida para esta celebración.
En muchas congregaciones el versículo Num. xiv. 19-20 se recita antes de la bendición. Después los rollos de la Torá son devueltos al hejal (Arca) y continua el servicio religioso.
Origen:
Los judíos, como otros pueblos semíticos, acostumbraban a emitir con profusión excesiva votos y juramentos imposibles de cumplir, pero que por otra parte tampoco querían infringir voluntariamente. De ahí que la conciencia religiosa buscara en la fórmula general del Kol Nidre una vía de escape a las tensiones provocadas por tales compromisos.Esto está de acuerdo con el más antiguo texto de la fórmula que se preserva en el libro de oraciones de Amram Gaón (ed. Warsaw, i. 47a) y en el "ha-Pardés" (p. 12b).Se iba desarrollando ya desde entonces (periodo gaónico) la clara conciencia del perdón y la reconciliación.
Obras musicales
Fuente :Jiwish Encyclopedia
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Kol_Nidre"
ENLACES:
Pa mi Isra, la Dupré.....
Gaspar Cassadó
Gaspar Cassadó
Violonchelista y compositor español nacido en Barcelona. Realizó sus estudios musicales en su ciudad natal, viajando mas tarde a París, dónde conoció y estudió con Pau Casals y trabajó armonía con Ravel y Falla. Su carrera como solista le llevó a actuar por todo el mundo estrenando obras de autores como, Honegger, Hindemith, Halfter, Khachaturian, Martinu y Delius, entre otros. En la década de los cincuenta formó dúo con la pianista Alicia de Larrocha y tocando con grandes músicos como Oistrakh, Rostropovich y Menuhin. Fue profesor de la Academia Chigiana de Siena. Como compositor escribió una gran cantidad de transcripciones para chelo y piano, varias piezas para piano solo y música de cámara, entre ellas la Rapsodia catalana y el Concierto para violonchelo, y arreglos de obras de otros músicos, entre ellos Frescobaldi, Albéniz y Couperin.
Violonchelista y compositor español nacido en Barcelona. Realizó sus estudios musicales en su ciudad natal, viajando mas tarde a París, dónde conoció y estudió con Pau Casals y trabajó armonía con Ravel y Falla. Su carrera como solista le llevó a actuar por todo el mundo estrenando obras de autores como, Honegger, Hindemith, Halfter, Khachaturian, Martinu y Delius, entre otros. En la década de los cincuenta formó dúo con la pianista Alicia de Larrocha y tocando con grandes músicos como Oistrakh, Rostropovich y Menuhin. Fue profesor de la Academia Chigiana de Siena. Como compositor escribió una gran cantidad de transcripciones para chelo y piano, varias piezas para piano solo y música de cámara, entre ellas la Rapsodia catalana y el Concierto para violonchelo, y arreglos de obras de otros músicos, entre ellos Frescobaldi, Albéniz y Couperin.
Enlaces de "Requiebros":
Requiebros de Cassadó ofrece una introducción al piano que deja paso luego a una melodía muy vital y alegre desarrollada por el cello. La obra está cargada de elementos compositivos y melódicos de carácter nacionalista.
El segundo enlace toca un chico que conozco porque estudió en Melilla, en donde trabaja mi hermano, y se vino el curso pasado a estudiar a Córdoba, ahora está en segundo curso de superior. Para que veais lo que dá estudiar!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
sábado, 16 de mayo de 2009
viernes, 15 de mayo de 2009
miércoles, 13 de mayo de 2009
lunes, 11 de mayo de 2009
Bach y las obras para violín solo
Bueno, esta entrada está un poco dedicada a Nico, que está entusiasmado con las Partitas para Violín solo de J. S. Bach, aunque en Repertorio, evidentemente, no tocais solos, las obras sin piano tambien son muy importantes para el repertorio de vuestros instrumentos.
La violinista que os presento fué ganadora del Concurso Tchaikovsky en el año 1982, y el Concurso Sibelius. Como vereis es una de las grandes violinistas del mundo, y la obra que interpreta pertenece a la Partita 2 de Bach, es el último movimiento. Por su importancia esta Ciaccona ha sido incluso arreglada para piano solo.
Disfrutadla!!!!
Bach y el Concierto para violín en la m.
Juan Sebastian Bach:
Organista y compositor alemán del periodo barroco. Fue uno de los más grandes y productivos genios de la música europea. Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 53 músicos de importancia, desde Veit Bach hasta Wilhelm Friedrich Ernst Bach. Johann Sebastian recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de su padre, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff.
En 1700 Bach comenzó a ganarse la vida como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg. En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. En octubre de 1705 Bach consiguió un mes de permiso para estudiar con Dietrich Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lübeck y cuya música influyó enormemente en Bach. Esta visita le gustó tanto que prolongó su estancia un mes más de lo acordado, lo que levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos. A pesar de todo, su arte ya era demasiado respetado como para que estas críticas pudieran desembocar en su despido. En 1707 se casó con María Bárbara Bach, prima segunda suya, y marchó a Mülhausen como organista en la iglesia de San Blasius. Al año siguiente volvió a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst. Allí permaneció durante los siete años siguientes, y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (El tiempo de Dios es el mejor), y también compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. En 1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado, las Invenciones y el Pequeño libro de órgano. Un año después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían interpretarlas.
Bach se trasladó a Leipzig en 1723 y allí permaneció el resto de sus días. Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento musical. Lo veían como a un anciano estirado que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según san Juan y según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, y murió el 28 de julio de 1750, después de someterse a una fallida operación ocular.
Concierto para violín y orquesta en la menor.
Durante su estancia en Köthen Bach disponía, además de una orquesta notable, de un magnifico primer violín, Joseph Spiess (m. 1730) -"Premier Kammer-Musicus", lo llamaban los documentos de la corte-, para el cual se supone que Bach compuso cierto número de conciertos y otras obras solistas. Además de Spiess, sobresalía también como violinista, entre los músicos de la corte, Martin Friedrich Marcus. Para ambos escribió Bach varios conciertos, de los que sólo tres han llegado hasta nosotros; sin embargo, algunos de los escritos para clavicémbalo y orquesta son adaptaciones de conciertos anteriores para violín. Los tres conciertos para violín que se conservan son los números BWV 1041 en la menor, 1042 en mi mayor y 1043 en re menor. Aunque los dos primeros fueron escritos para violín solista y el tercero para dos violines, el acompañamiento es igual en los tres: dos violines, viola, violoncelo y continuo. Su fecha de composición debe fijarse durante los años de estancia en Köthen (1717-23), sin que sea posible establecerla más en concreto. Aquí hay que advertir que tanto Spiess como Marcus llevaban tres años de servicio en la capilla ducal cuando llegó Bach. Marcus se marchó en 1722; Spiess, en cambio, siguió allí hasta su muerte, ocurrida en 1730. La concepción general de estos conciertos es la típicamente italiana, o, para ser más exactos, vivaldiana: todos constan de la clásica disposición alternada de tiempos rápidos y lentos (Allegro-Adagio-Allegro), con diálogo del solo con el tutti, etc. Con todo, estas características sólo se refieren a su forma externa, ya que estos tres conciertos son eminentemente bachianos. Basta señalar algunos detalles para comprenderlo: en el primer y tercer tiempo del Concierto en la menor (BWV 1041) se evidencia, ante todo, el trato que Bach da al solista, profundamente diferente del material sonoro expuesto en el tutti, aunque basado en él; en el segundo tiempo, Andante, está presente el ostinato en el bajo tan característico de Bach, que le confiere un carácter solemne y marcado, sobre el que destaca la florida melodía del solista. En el Concierto en mi mayor (BWV 1042) la impronta personal de Bach es más profunda, sobre todo por el desarrollo temático, de una amplitud desconocida en Vivaldi, y con un espacio concedido al solista muy superior al que era habitual entre los italianos o entre sus seguidores, como Telemann. En el Concierto para dos violines en re menor (BWV 1043) ambos instrumentos solistas están colocados en un plano de igualdad absoluta. En realidad, el diálogo establecido entre ellos es de una soltura y una perfección absolutas. No cabe duda de que es una de las páginas más bellas y más magistralmente escritas por Bach. Este diálogo, ya admirable en el primer tiempo, es más perceptible en el segundo, porque en él el ripieno o tutti se limita casi exclusivamente a simples acordes, dejando el protagonismo a los solistas. Sobre este concierto realizó Bach, en 1736, ya en Leipzig, un arreglo para dos clavicémbalos, con acompañamiento de dos violines, viola, violoncelo y continuo, transportando su tonalidad a la de do menor
W. A. Mozart....su vida....
Biografía:
A los seis años Mozart era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Todavía hoy se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a esa edad. En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas, tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio (1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770), compuesta en Milán. Con esta obra su reputación como músico se afianzó todavía más. Mozart volvió a Salzburgo en 1771. El cargo de Mozart en la ciudad no era remunerado, pero le permitió componer un gran número de obras importantes durante seis años, eso sí, en detrimento de su situación económica. En 1777 obtuvo permiso para dar una gira de conciertos, y se fue a Munich con su madre.
A la edad de veintiún años Mozart buscaba en las cortes europeas un puesto mejor remunerado y más satisfactorio, pero sus deseos no se cumplieron. Marchó a Mannheim, capital musical de Europa por aquel entonces, con la idea de conseguir un empleo en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Leopold envió a su esposa e hijo a París. La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber y el desprecio de los aristócratas para quienes trabajaba hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y su regreso a Salzburgo en 1779 fueran un periodo negro en su vida. Ya en su ciudad natal, Mozart compuso dos misas y un buen número de sonatas, sinfonías y conciertos. Estas obras revelan por primera vez un estilo propio y una madurez musical extraordinaria. El éxito de su ópera italiana Idomeneo, rey de Creta, encargada y compuesta en 1781, hizo que el arzobispo de Salzburgo le invitara a su palacio, en Viena, pero se sintió explotado y decidió marcharse. Se dedicó entonces a dar clases en una casa que alquilaron para él unos amigos. Allí compuso el singspiel, El rapto en el serrallo, encargada en 1782 por el emperador José II. Ese mismo año se casó con Constanze Weber, hermana menor de Aloysia; juntos vivieron acosados por las deudas hasta la muerte de Mozart. Las óperas Las bodas de Fígaro (1786) y Don Giovanni (1787), con libretos de Lorenzo Da Ponte, aunque triunfaron en Praga, no fueron bien recibidas en Viena.
Desde 1787 hasta la creación de Così fan tutte (1790, también con libreto de Da Ponte), Wolfgang no recibió nuevos encargos de óperas. Para la coronación del emperador Leopoldo II en 1791 compuso La clemenza di Tito, con libreto de Metastasio. Las tres grandes sinfonías de 1788 nº 39 en mi bemol, nº 40 en sol menor y nº 41 en do (Júpiter) nunca se interpretaron bajo su dirección. Mientras trabajaba en La flauta mágica (1791, con libreto de Emmanuel Schikaneder), el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. Esta obra, inacabada por la muerte de Mozart, fue su última composición, que terminó Franz Süssmayr, discípulo suyo. Mozart murió en Viena el 5 de diciembre de 1791, se cree que por una dolencia renal crónica. Sólo unos pocos amigos fueron a su funeral. La leyenda por la cual el compositor italiano Antonio Salieri pudo haber asesinado a Mozart carece de todo fundamento.
A pesar de su corta vida y malograda carrera, Mozart se encuentra entre los grandes genios de la música. Su inmensa producción (más de 600 obras), muestra a una persona que, ya desde niño, dominaba la técnica de la composición a la vez que poseía una imaginación desbordante. Sus obras instrumentales incluyen sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, y conciertos; sus obras vocales son, básicamente, óperas y música de iglesia. Sus manuscritos muestran cómo, salvo cuando hacía borradores de pasajes especialmente difíciles, primero pensaba la obra entera y luego la escribía. Su obra combina las dulces melodías del estilo italiano, y la forma y contrapunto germánicos. Mozart epitomiza el clasicismo del siglo XVIII, sencillo, claro y equilibrado, pero sin huir de la intensidad emocional. Estas cualidades son patentes sobre todo en sus conciertos, con los dramáticos contrastes entre el instrumento solista y la orquesta, y en las óperas, con las reacciones de sus personajes ante diferentes situaciones. Su producción lírica pone de manifiesto nueva unidad entre la parte vocal y la instrumental, con una delicada caracterización y el uso del estilo sinfónico propio de los grandes grupos instrumentales.
domingo, 10 de mayo de 2009
I don't know, traveling in my head.
A la pregunta que le hacen a la niña, ¿De donde sacas las ideas, de donde viene la música? ella contesta I DON'T KNOW TRAVELING IN MY HEAD.
viernes, 8 de mayo de 2009
Cadencia
Esta es una cadencia, me ha llamado la atención porque es diferente, darle y veréis porque.
¿Alguien puso a Juan Christian?
Johann Christian Bach (Jonathan Cristian [Cristiano, en México] Bach [Baches, como se le conoció en algunas comunidades hispanohablantes de Filipinas]) (Leipzig, 5 de septiembre de 1735 – Londres, 1 de enero de 1782) es el menor de los veinte hijos del compositor alemán Johann Sebastian Bach. También conocido como "el Bach milanés" o "el Bach londinense".
Desde muy pequeño tomó lecciones musicales y de composición de su padre, quien debido a su carácter infantil y juguetón solía decir (en broma) de él, tal como contó Friedemann a su biógrafo: "El más pequeño seguramente se abrirá paso en la vida por sus tonterías" o "Mi Christian es tonto, por eso algún día tendrá fortuna en el mundo". Él, por su parte, solía llamar a su padre "viejo peluca" en referencia a su apego por las formas musicales ya anticuadas en su época (cánones, fugas, contrapunto...); en alguna ocasión, ya adulto, él mismo reconoció que (debido a su complejidad) no estaba capacitado para interpretar mucho de lo que su padre había escrito.
A la muerte de su padre, en 1750, se quedó en Leipzig con su madre Anna Magdalena Bach y sus hermanas pequeñas: en la herencia recibió de su padre tres claves con pedales. Ese mismo año se trasladó a la casa de su hermano Carl Philipp Emanuel Bach en Berlín, se formó musicalmente con éste (utilizando su célebre Tratado) y recibió estímulos del círculo musical berlinés y de la Ópera.
Viajó a Italia en 1753, donde estudió hasta 1759 con el Padre Martini; en 1760, después de convertirse a la fe católica, fue nombrado organista en la catedral de Milán.
A diferencia de los miembros de su familia, todos ellos centrados en la música instrumental y sacra, Johann Christian cultivó la ópera, género con el que se familiarizó durante su estancia en Milán, primero como discípulo del padre Martini y después, desde 1760, como organista de la catedral. Artaserse (1761) fue su primera incursión en el teatro, a la que siguieron Catone in Utica (1761), Alessandro nell’Indie (1762) y Orione (1763). Esta última fue la primera de las estrenadas en Londres, donde se estableció en 1762. Del modelo italiano tomó influjo para sus once óperas en las que huye de todo dramatismo para imponer un estilo galante de bellas melodías muy del gusto de la época. No encontramos en este Bach una sóla nota desagradable.
En 1762 viajó a Londres en donde fue profesor de música de la reina. En 1764, en su viaje por Inglaterra, entabló amistad con el joven Mozart, quien contaba ocho años, sobre el que ejerció una influencia decisiva.
Es autor de una extensa obra musical: música sacra, sinfonías, música de cámara y conciertos para piano.
Johann Christian Bach (Jonathan Cristian [Cristiano, en México] Bach [Baches, como se le conoció en algunas comunidades hispanohablantes de Filipinas]) (Leipzig, 5 de septiembre de 1735 – Londres, 1 de enero de 1782) es el menor de los veinte hijos del compositor alemán Johann Sebastian Bach. También conocido como "el Bach milanés" o "el Bach londinense".
Desde muy pequeño tomó lecciones musicales y de composición de su padre, quien debido a su carácter infantil y juguetón solía decir (en broma) de él, tal como contó Friedemann a su biógrafo: "El más pequeño seguramente se abrirá paso en la vida por sus tonterías" o "Mi Christian es tonto, por eso algún día tendrá fortuna en el mundo". Él, por su parte, solía llamar a su padre "viejo peluca" en referencia a su apego por las formas musicales ya anticuadas en su época (cánones, fugas, contrapunto...); en alguna ocasión, ya adulto, él mismo reconoció que (debido a su complejidad) no estaba capacitado para interpretar mucho de lo que su padre había escrito.
A la muerte de su padre, en 1750, se quedó en Leipzig con su madre Anna Magdalena Bach y sus hermanas pequeñas: en la herencia recibió de su padre tres claves con pedales. Ese mismo año se trasladó a la casa de su hermano Carl Philipp Emanuel Bach en Berlín, se formó musicalmente con éste (utilizando su célebre Tratado) y recibió estímulos del círculo musical berlinés y de la Ópera.
Viajó a Italia en 1753, donde estudió hasta 1759 con el Padre Martini; en 1760, después de convertirse a la fe católica, fue nombrado organista en la catedral de Milán.
A diferencia de los miembros de su familia, todos ellos centrados en la música instrumental y sacra, Johann Christian cultivó la ópera, género con el que se familiarizó durante su estancia en Milán, primero como discípulo del padre Martini y después, desde 1760, como organista de la catedral. Artaserse (1761) fue su primera incursión en el teatro, a la que siguieron Catone in Utica (1761), Alessandro nell’Indie (1762) y Orione (1763). Esta última fue la primera de las estrenadas en Londres, donde se estableció en 1762. Del modelo italiano tomó influjo para sus once óperas en las que huye de todo dramatismo para imponer un estilo galante de bellas melodías muy del gusto de la época. No encontramos en este Bach una sóla nota desagradable.
En 1762 viajó a Londres en donde fue profesor de música de la reina. En 1764, en su viaje por Inglaterra, entabló amistad con el joven Mozart, quien contaba ocho años, sobre el que ejerció una influencia decisiva.
Es autor de una extensa obra musical: música sacra, sinfonías, música de cámara y conciertos para piano.
http://www.youtube.com/watch?v=mlcrMNQlNoA
Bueno,os pongo algo de Marin Marais, ya que Helena y yo tocamos dos danzas de él en la audición pasada de viola. =)
Marin Marais (París, 31 de mayo de 1656 - 15 de agosto de 1728) fue un violagambista y compositor, discípulo de Jean-Baptiste Lully y de Monsieur de Sainte-Colombe. En 1676 fue contratado como músico de la corte de Luis XIV de Francia. Destacó en ese puesto, y en 1679 fue nombrado ordinaire de la chambre du roi pour la viole, título que conservó hasta 1725.
Fue un destacado intérprete de la viola de gamba y uno de los compositores más notables para dicho instrumento. Escribió cinco libros de "Pièces de viole", la mayoría suites con bajo continuo. Estas piezas eran bastante populares en la corte, y por ellas fue recordado por mucho tiempo, siendo "el que fundó y estableció firmemente el imperio de la viola" (Hubert le Blanc, 1740). Su catálogo de obras incluye también óperas, quizás la más conocida es Alcyone (1706) por su escena de la tempestad.
Existe una edición integral de las piezas de viola, publicada por Éditions J.M. Fuzeau.
Es el personaje principal del filme Tous les matins du monde (1991), que es una ficción sobre la vida de Monsieur de Sainte-Colombe y Marais. La música de este último es gran parte de la banda sonora de la película. La pieza Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723) aparece en este filme y en versión electrónica, en el filme Liquid Sky de Slava Tsukerman.
Y como no he encontrado la "Matelotte",que fue lo que toqué, os pongo otra de sus danzas :P
http://www.youtube.com/watch?v=7Rg_Tt6CIz4&feature=related
Marin Marais (París, 31 de mayo de 1656 - 15 de agosto de 1728) fue un violagambista y compositor, discípulo de Jean-Baptiste Lully y de Monsieur de Sainte-Colombe. En 1676 fue contratado como músico de la corte de Luis XIV de Francia. Destacó en ese puesto, y en 1679 fue nombrado ordinaire de la chambre du roi pour la viole, título que conservó hasta 1725.
Fue un destacado intérprete de la viola de gamba y uno de los compositores más notables para dicho instrumento. Escribió cinco libros de "Pièces de viole", la mayoría suites con bajo continuo. Estas piezas eran bastante populares en la corte, y por ellas fue recordado por mucho tiempo, siendo "el que fundó y estableció firmemente el imperio de la viola" (Hubert le Blanc, 1740). Su catálogo de obras incluye también óperas, quizás la más conocida es Alcyone (1706) por su escena de la tempestad.
Existe una edición integral de las piezas de viola, publicada por Éditions J.M. Fuzeau.
Es el personaje principal del filme Tous les matins du monde (1991), que es una ficción sobre la vida de Monsieur de Sainte-Colombe y Marais. La música de este último es gran parte de la banda sonora de la película. La pieza Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723) aparece en este filme y en versión electrónica, en el filme Liquid Sky de Slava Tsukerman.
Y como no he encontrado la "Matelotte",que fue lo que toqué, os pongo otra de sus danzas :P
http://www.youtube.com/watch?v=7Rg_Tt6CIz4&feature=related
jueves, 7 de mayo de 2009
Escuchamos el Vocalise?
http://www.refinandonuestrossentidos.com/vocalise_op_34_nc_14.php
En esta página que os dejo de enlace podeis ver el vídeo de una gran soprano, Kiri Te Kanawa, cantándolo, pero además hay once grabaciones diferentes, para cello, violín, etc, por grandes músicos. Es genial escucharlas todas y ver las diferencias. Aquí os dejo mi pregunta....que versión os gusta más, y para que instrumento creeis que es mejor la obra? Cual pensais que es el original de Rachmaninoff?
Venga!!!!! Quiero respuestas!!!!!
Silvi.
En esta página que os dejo de enlace podeis ver el vídeo de una gran soprano, Kiri Te Kanawa, cantándolo, pero además hay once grabaciones diferentes, para cello, violín, etc, por grandes músicos. Es genial escucharlas todas y ver las diferencias. Aquí os dejo mi pregunta....que versión os gusta más, y para que instrumento creeis que es mejor la obra? Cual pensais que es el original de Rachmaninoff?
Venga!!!!! Quiero respuestas!!!!!
Silvi.
Rachmaninoff
Esta hermosa obra la habeis tocado muchos, hay muchas versiones paradistintos instrumentos. Disfrutadla. Ahora la toca Andrea.
Serguei Rachmaninoff:
Rachmaninoff, Sergei Vasilyevich (1873-1943), de descendencia ruso-americana, fue compositor, pianista y director de orquesta. Uno de los pianistas más brillantes del siglo XX, cuyas composiciones son consideradas como la mayor expresión musical de la era romántica.
Rachmaninoff nació el 1 de Abril de 1873, cerca de Novgorod. En Moscú sus profesores de piano incluyeron al estricto Nikolay Zeverov y Aleksandr Silote, primo de Rachmaninoff quien le recomendó a su propio maestro, el pianista y compositor húngaro Franz Liszt. Además, el autor estudió con tres eminentes compositores rusos: Antón Arensky, Sergey Taneyev y su mentor de música más importante, Peter Ilich Tchaikovsky.
Rachmaninoff es considerado como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX. El tuvo legendarias facilidades técnicas y manejo rítmico, y sus largas manos eran capaces de cubrir el intervalo de una 13ª en el teclado (una mano abarcaba aproximadamente 12 pulgadas). El largo de sus manos correspondía aproximadamente con su altura; Rachmaninoff medía 1 metro 98 cm. de alto. Además tenía la habilidad de tocar complejas composiciones con sólo escucharlas una vez. Muchas presentaciones de las composiciones de Rachmaninoff fueron grabadas por The Victor Talking Machina Company, así como también los trabajos del repertorio estándar.
El Preludio en Do menor (1892), para piano y orquesta, y su ópera Aleko (1893) establecieron su reputación como compositor. Asimismo su Trío élégiaque, en memoria de Tchaicovsky. En 1897 su Sinfonía No. 1 en Re menor fue presentada. Su desastrosa recepción provocó que dejase de componer, y durante tres años trabajó únicamente como pianista y director. Su Concierto para piano No. 2 en Do menor (1900) marcó su retorno a la composición. Durante los próximos 17 años compuso su Sinfonía No. 2 en Mi menor (1906); el poema sinfónico La isla de la muerte de 1909; la Liturgia de St. John Chrysostom de 1910 para coro; la sinfonía coral "Las campanas" de 1913, basada en una poesía del escritor americano Edgar Allan Poe; y muchas canciones altamente admiradas. Excepto por un período en Dresden, Alemania entre 1906 y 1908, trabajó principalmente en Moscú; entre 1904 y 1906 fue director del Teatro Bolshoi.
Luego de dejar Rusia en 1917, al año siguiente Rachmaninoff se estableció en los Estados Unidos. Durante el exilio se concentró en su carrera de piano y dirección, haciendo grabaciones en ambos campos. Sus pocas composiciones luego de 1917 incluyen: las Variaciones sobre un tema de Corelli de 1934 para piano; la Rapsodia sobre un tema de Paganini de 1936 para piano y orquesta; la Sinfonía Número 3 en La menor de 1936; y el Concierto para piano No. 4 en Sol menor de 1937. Falleció en Beverly Hills, California, el 28 de Marzo de 1943.
Obras: Escribió cinco trabajos para piano y orquesta: cuatro conciertos y la Rapsodia sobre un tema de Paganini. De sus conciertos, el segundo y el tercero son los más populares, y se los considera en el escalón más alto de los conciertos virtuosos para piano de la literatura romántica. El Concierto No. 3, de hecho, es ampliamente considerado uno de los conciertos para piano más difíciles de todos, y por ello es uno de los favoritos entre los virtuosos del piano. Sus trabajos para piano solo incluyen los Preludios, Opus 23 y 32, junto con el Preludio en Do menor Opus 3 No. 2 del Morceaux de Fantaisie los cuales emplean las 24 teclas mayores y menores del piano. Especialmente difíciles son los Ètudes-Tableaux, los cuales son literalmente piezas de estudio muy demandantes. Están además los Momentos Musicales del Opus 16, y las Variaciones sobre un tema de Chopin, Opus 22. Escribió dos sonatas para piano, las cuales son ambas trabajos monumentales y finos ejemplos del género post-romántico. Sergei también compuso trabajos para dos pianos, cuatro manos incluyendo dos Suites (la primera subtitulada Fantasía-Tableaux), una versión de Danzas Sinfónicas Op. 45, y una Rapsodia rusa.
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El compositor que nos ocupa escribió tres sinfonías, la primera de las cuales, en Re menor, fue un fracaso monumental. Él rompió la partitura y por muchos años se lo creyó perdido; sin embargo luego de su muerte, las partes orquestales fueron encontradas en el Conservatorio de Leningrado y la partitura fue reconstruida, liderando su segunda presentación (una exposición americana) el 19 de Marzo de 1948 en un concierto en conmemoración al aniversario número 50 de la muerte del compositor. La segunda y tercera son ambas consideradas entre sus obras más grandes. Otros trabajos orquestales incluyen: The Rock, Capriccio sobre temas de Gipsy, La isla de la muerte y las danzas sinfónicas. Por otro lado escribió dos trabajos orquestales mayores, a capella: la Liturgia de St. John Chrysostom y "Una vigila de toda la noche" (también conocida como The Vespers). "Las campanas", un trabajo para coro y orquesta, está basado en una poesía traducida de Edgar Allan Poe; su cuarto movimiento significa el círculo de la vida: juventud, matrimonio, madurez y muerte. La "Vigilia" y "Las campanas" son ampliamente consideradas como sus trabajos más finos y destacados.
Su música de cámara incluye dos tríos de piano, los cuales fueron llamados Trío Elègiaque y Sonata Cello. En éste tipo de música el piano tiende a ser percibido por algo que domina la totalidad. Completó tres óperas, Aleko, The Miserly Knight y Francesca da Rimini. Dejó sin terminar Monna Vanna, la cual fue empezada en 1907, pero no vio su primera presentación sino hasta 1984.
Tomado de Pianored.com
Vocalise Op. 34 nº 14
La última de las canciones correspondiente a la serie Op. 34 de Sergei Rachmaninoff (la correspondiente al número 14), fue compuesta en 1812 y se conoce como "Vocalise", ya que es una “canción sin palabras”, una dulce melodía en la cual la soprano únicamente realiza vocalizaciones. Su gran belleza y sencillez intelectual, han hecho de esta obra, objeto de numerosos arreglos para diversas combinaciones musicales.
miércoles, 6 de mayo de 2009
Manuel de Falla
Manuel de Falla (1876-1946), uno de los compositores españoles más destacados del siglo XX. Fue el impulsor del movimiento contra la influencia de la música alemana e italiana en la ópera española, y contra la esterilidad de la música para orquesta y de cámara de su tiempo en España.
TRAYECTORIA PROFESIONAL
Nació en Cádiz el 23 de noviembre de 1876. De niño estudió música con su madre y otros profesores de su ciudad natal, como Alejandro Odero Y Enrique Broca. En un principio no tuvo claro si quería ser músico o escritor, pero su asistencia a eventos musicales en casas particulares y en auditorios como el del Museo de Pinturas de Cádiz le hicieron decantarse por la carrera de composición.
Ya desde sus comienzos, e influido especialmente por la música nacionalista de Edvard Grieg, decidió que haría algo similar con la música de su tierra. Tras estudiar piano durante un tiempo en la clase de José Tragó en el Conservatorio de Madrid y obtener en 1898 y 1899 los máximos galardones de la carrera, desde 1902 comenzó a estudiar composición con el prestigioso musicólogo y pedagogo Felipe Pedrell, fundador de la escuela nacionalista española y profesor también de Isaac Albéniz y Enrique Granados. Aunque ya desde finales de la década de 1990 había escrito diversas composiciones como zarzuelas y canciones, fue a partir de 1902 cuando su genio comenzó a manifestarse con obras como el Allegro de concierto o La vida breve, en la que emergió por primera vez la personalidad de su música.
Desde 1905 a 1907 fue profesor de piano en Madrid, y entre 1907 y 1914 estudió y trabajó en París, época en la que surgieron importantes obras como las Tres melodías o Siete canciones populares. En el periodo transcurrido durante los años 1914 y 1938, vivió y compuso sobre todo en España, época que vio nacer la mayor parte de sus obras maestras. En 1939, huyendo de la Guerra Civil, fijó su residencia en Argentina, donde falleció el 14 de noviembre de 1946. La última de sus obras fue La Atlántida, una monumental cantata escénica sobre el poema de Jacint Verdaguer que comenzó a componer en 1926 y que no pudo terminar. Fue su discípulo, Ernesto Halffter, el encargado de finalizar la partitura.
LA BÚSQUEDA DE UN ESTILO ESPAÑOL
Bajo la influencia de Pedrell, defensor de que las bases de la música de un país debían provenir de su propio folclore, Falla desarrolló un estilo claramente nacionalista que caracterizó prácticamente todas sus composiciones. No obstante, no solía utilizar las canciones folclóricas españolas de una manera directa en sus temas, sino que incorporó únicamente su espíritu. El elemento impresionista de su obra procede de compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel, a quienes conoció en París.
OBRA
Entre sus composiciones sobresalen títulos como Noches en los jardines de España (1909-1915) para orquesta y piano, la ópera La vida breve (1913), sobre texto de Fernández Shaw, Siete canciones populares españolas (1914-1915), los ballets El amor brujo (1915) y El sombrero de tres picos (1919), la Fantasía bética y el Allegro de concierto para piano (1919), Homenaje, pour le tombeau de Debussy (1920), la fantasía escénica El retablo de Maese Pedro (1924), el Concierto para clave y 7 instrumentos (1923-1926), música para guitarra y el oratorio La Atlántida (1926-1946).
lunes, 4 de mayo de 2009
tatata chan ta chan! HINDEMITH
VIDA
Hindemith es muy amigo de Stephanie Maria Alonzo Carrero el le enseño a tocar la viola siendo niña. Debido a la oposición paterna a sus ambiciones musicales, abandonó su casa(orquesta) a los once años, además en su juventud empezó a escuchar la viola, piano, percusiones en restaurantes, tabernas y en cafés y teatros para poder pagarse los estudios en el Conservatorio de Fráncfort, manteniéndose a base de tocar en bandas de música.
En 1915, antes de cumplir los veinte años era ya el director de la Ópera de Fráncfort, puesto que mantuvo hasta 1923. Para entonces, Hindemith ya un compositor reconocido en los círculos de música de vanguardia. Como organizador desde 1923 del Festival de Donaueschingen, pudo programar obras de compositores contemporáneos como Anton Webern y Arnold Schönberg.
Desde 1927 fue profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música de Berlín. En 1929 fundó el cuarteto Amar, en el que tocaba laviola, y con el que realizó numerosas giras de conciertos por toda Europa.
Su música fue considerada "degenerada" por los nazis, y en 1938 se expatrió en Suiza. En 1940 emigró a Estados Unidos, donde enseñó composición musical en las universidades de Yale y de Harvard. En 1948 se nacionalizó estadounidense, pero regresó a Europa en 1953, estableciéndose en Zúrich, en cuya universidad dictó la cátedra de musicología.
Hindemith murió en Fráncfort en 1963, de pancreatitis aguda.
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OBRA
Hindemith es considerado como uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Sus primeras obras son todavía de inspiración romántica; pasó después por una etapaexpresionista, similar en su estilo a la del joven Schönberg. Más tarde desarrolló un estilo propio, que algunos consideraron (todavía hoy) de difícil comprensión. Ha sido descrito comoneoclasicismo, pero es muy diferente al de las obras de Ígor Stravinski denominadas del mismo modo, estando su estilo mucho más cerca del estilo contrapuntístico barroco de Bachque de la claridad clásica de Mozart.
Este nuevo estilo aparece ya en una serie de obras llamada Kammermusik (‘música de cámara’) que datan de 1922 a 1927. Cada una de estas piezas fue escrita para un conjunto diferente de instrumentos (siendo algunos de estas agrupaciones completamente atípicas). Por ejemplo, la Kammermusik n.º 6, es un concierto para viola d'amore, un instrumento que había caído en desuso desde finales de la época barroca. Hindemith siguió componiendo durante toda su vida para este tipo de conjuntos, produciendo una sonata para contrabajo y pianoen 1949, por ejemplo.
Durante los años 30, Hindemith comenzó a escribir cada vez más para grandes conjuntos orquestales. En 1933-35, escribió su ópera Mathis der Maler (‘Matías el pintor’), basada en la vida del pintor renacentista alemán Matthias Grünewald. Como muchas de las obras de Hindemith, obtuvo el beneplácito de los círculos musicales, pero escaso éxito popular, y se representa muy raramente. Años más tarde, Hindemith transformó parte de la música de esta obra en una sinfonía puramente instrumental (también llamada Mathis der Maler), que está considerada una de sus obras maestras.
Hindemith, como Kurt Weill y Ernst Krenek, escribió gebrauchsmusik (‘música útil’), o sea música con un propósito político y social preciso, e incluso pensada para ser tocada por aficionados. Un ejemplo es su Trauermusik (‘música fúnebre’), escrita en 1936. Hindemith estaba preparando un concierto para la BBC cuando se enteró de la muerte del rey Jorge V. Rápidamente compuso esta pieza para viola y orquesta de cuerda, que fue interpretada el mismo día. Más tarde Hindemith rechazó el término gebrauchsmusik, considerándolo equívoco.
A finales de los 30, Hindemith escribió un tratado de música titulado El arte de la composición musical en el que clasifica todos los intervalos musicales, desde el más consonante al más disonante. Este texto fija la técnica compositiva de Hindemith, que siguió usando el resto de su vida. Su obra para piano Ludus Tonalis (1942) es un claro ejemplo del uso de esta técnica. Contiene doce fugas, a la manera de Johann Sebastian Bach, conectadas entre sí por un interludio durante el que la música se desplaza desde la tonalidad de la fuga precedente a la de la fuga siguiente.
La obra más famosa de Hindemith probablemente son las Metamorfosis sinfónicas sobre un tema de Carl Maria von Weber, escritas en 1943. En esta composición, Hindemith se sirve de melodías de Carl Maria von Weber, sobre todo duetos para piano, pero también de un tema de la obertura de su música incidental para Turandot, y las trasforma y adapta de tal modo que cada movimiento de la obra se basa en un tema.
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De la meditation que es la obra que me corresponde no he encontrado nada, debido a que es poco conocida, pero os pongo el video, de mi obra favorita suya:
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